A estreia da Produção audiovisual de Sam Mendes, American Beauty é um turbilhão absoluto de personagens instigantes, símbolos e conflitos engenhosamente construídos, tornando-o pessoalmente um dos meus filmes favoritos.

Embora seja legitimamente considerado um drama, os absurdos criativos do filme e as convincentes performances de tour-de-force tornam o símbolo cinematográfico um filme difícil de categorizar; American Beauty é, portanto, dificilmente comparável a filmes de igual intelecto, visto que sua combinação de tensões realistas fascinantes e tal fluidez visual natural justapõe uma imagem que é certamente inventiva, e sem dúvida única em comparação com todos os outros dramas aclamados e por mais proeminentes contemporâneos produções cinematográficas.

Tematicamente, ao estabelecer uma ascensão e queda tão completa de seu personagem principal – o dolorosamente monótono e evidentemente rebelde Lester Burnham ((RIP) Kevin Spacey) – é evidente que a foto premiada ilustra uma representação impressionante do que os humanos parecem lutar tão constante e vigorosamente em direção a: a própria busca incômoda da felicidade.

Considerando que esse desejo de possuir certas coisas ou viver um estilo de vida particular é inquestionavelmente recorrente nas mentes de tais criaturas em busca da felicidade – que são, novamente, as formas mais atuais de Homo sapiens – Lester está agindo contra sua esposa e família (ou seja, desistir seu trabalho para trabalhar para uma rede local de fast food e perseguir sexualmente a precoce amiga de sua filha Angela (Mena Suvari), uma garota por quem ele rapidamente se apaixona) não é apenas um pedido de ajuda, mas, de acordo com Lester, um notável mudança na qualidade de vida.

Sua epifania é ilustrada repetidamente ao longo do filme:

Por meio de sua esposa hiper-insegura e ligeiramente instável, Carolyn (Annette Bening), que impulsivamente participa de um caso pelas costas. Este ato é de fato um dos melhores exemplos que demonstra a motivação para a reavaliação aparentemente existencial de Spacey;

Janie (Thora Birch), filha adolescente de Lester, que se sente imensamente isolada de sua família e está constantemente em busca de satisfação em sua vida familiar, mas ainda mais em si mesma;

e então Ricky Fitts (Wes Bentley), filho perspicaz dos novos vizinhos dos Burnhams. Ricky freqüentemente procura escapar de sua vida doméstica muitas vezes disfuncional, especificamente do abuso e da educação militarista que o pai dele, o ex-coronel da Marinha Frank Fitts (Chris Cooper), de quem ele próprio nunca ousou enfrentar homossexualidade.

Por outro lado, além de ser inovadoramente cerebral por meio de seu elenco, a edição e a cinematografia do filme também são excelentes.

O filme demonstra um estilo de filmagem distinto, de forma memorável, envolvendo cortes nítidos e repetidos, longas entradas / saídas de dolly, panorâmicas graciosas e outras várias técnicas cinematográficas sem precedentes; por exemplo, Mendes usa repetidamente o que o personagem de Ricky grava em uma filmadora para ser mostrado na tela como se o público visse esses momentos de sua própria perspectiva semelhante a uma filmagem. (Eu digo sem precedentes, apesar de The Blair Witch Project vencer esse dispositivo documentário de Mendes por alguns meses.)

Outra adição visual substancial e talvez inesquecível ao filme é o uso simbólico do vermelho, especialmente quando apresentado na forma de pétalas de rosa lúgubres. No caso de Lester, essas pétalas profundamente vibrantes – que aparecem na maioria das vezes em suas visões intensamente sugestivas de Angela e às vezes as duas juntas – representam seu desejo sexual por uma garota bem abaixo da idade de consentimento. E apesar da luxúria em tal contexto ser puramente antiética, as sequências delicadas e inevitavelmente lindas enfeitadas com rosas são totalmente hipnotizantes, embora sempre um pouco assustadoras e desconfortáveis.

De toda a imagem, que no total é composta de inúmeras cenas soberbamente executadas, a abertura do filme é talvez a mais quintessencial, apresentando cuidadosamente ao público o estilo de vida suburbano peculiar e normal do narrador Lester. (Como tantas referências a outro cinema que podem ser comparadas a quão bem essa forma de prazer morno da vida retratada em American Beauty pode ser feita, eu sugiro fortemente assistir o absurdo filme neo-noir de 2001 de Joel e Ethan Coen, O Homem que Não Estava Lá .)

Como a cena é muito direta e consegue conter a revelação de muitos dos elementos simbólicos do filme – além da cor vermelha, tanto pelo reconhecimento da roseira no gramado da frente dos Burnhams quanto por sua porta vermelha sólida – Mendes ‘ Uma breve visão da vida doméstica de Lester, monotonamente esticada graças à narrativa cínica de Spacey, tudo por trás de uma trilha sonora calmante e satisfatória (c. Thomas Newman), é estranhamente cativante para todos os espectadores americanos de beleza (eu de bom grado) para dizer o mínimo .

Apesar do fato óbvio de que as cenas introdutórias para a maioria dos filmes muitas vezes farão o seu melhor para estabelecer um pouco de sua base narrativa para que a exposição restante seja entendida com a maior clareza possível, American Beauty participa disso, mas da maneira mais crua que se possa imaginar:

O resultado final é que Lester não está feliz.

Ao longo de seu monólogo inicial, Lester familiariza o público com algumas coisas importantes que vale a pena saber sobre ele:

ele está sexualmente frustrado;

sua esposa e filha o ridicularizam;

ele odeia seu trabalho;

e ele não está nada satisfeito com o estado atual e a direção de sua vida. (Não quero me repetir, mas disse que a frustração com o personagem de Spacey é realmente o que impulsiona todo o filme, por exemplo, uma de suas primeiras e mais francas lembranças: “Eu sinto que estive em coma nos últimos vinte anos. E só agora estou acordando ”.).

No geral, a cena fornece de forma concisa a razão para as escolhas posteriores de Lester no filme, bem como para as ações futuras de sua esposa e filha. Ao apresentar também as insatisfações e relacionamentos diários de Carolyn e Janie com Lester e entre si, as buscas finais e fracassadas de Burnhams por conteúdo se tornam completamente visíveis para o espectador.

Em outras palavras, os três se tornaram totalmente e não poderiam se tornar mais nucleares.

Em comparação com como o resto do filme é filmado, a cena de abertura não difere estilisticamente em termos de diferenças cinematográficas ou direção substanciais, exercitando suas inclinações visuais reconhecíveis e cortes rápidos desde o início. Por exemplo, assim como a cena final, a abertura do filme inclui uma ampla dolly-in aérea da vizinhança afluente dos Burnhams; em contraste com o movimento oposto de dolly-out do final, a câmera se move para fora em vez de para dentro, ambas as vinhetas, no entanto, movendo-se em um ritmo constante e igual e desencadeando uma sensação mais ou menos atenuante e sensação de eustress, além da sequência final certamente possuindo mais fechamento .

Embora ambas as tomadas sejam diferentes dos momentos mais pesados ​​e dramáticos do filme, elas de fato contribuem para a produção geral em termos de transmitir o que o filme parece mais visar em um sentido literal mais gritante: beleza; como a beleza é tipicamente percebida; como a beleza pode ser percebida; beleza em suas formas mais simples. Além disso, enquanto as cenas inicial e final são filmadas aproximadamente com a mesma abordagem – e são, se não visualmente, esteticamente “bonitas” – é o conteúdo, os eventos que ocorrem entre as duas sequências que garantem a miríade de complexidades de personagens e dilemas de cair o queixo.

Em suma, o que exatamente acontece entre o início e o fim dos monólogos é o único responsável por por que o filme é tão intrigante. E o que acontece é muito, o que torna ainda mais motivo para assistir a magnum opus de Mendes.